Pierre-Auguste Renoir, 25 de febrero de 1841 – 3 de diciembre de 1919) fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.^{1 2 3}

Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó, como Watteau.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de remeros y Las grandes bañistas son sus obras más representativas. Vale la pena citar el siguiente pasaje de Proust:

«Hubo un tiempo en que se reconocían bien las cosas cuando era Fromentin el que las pintaba, y en que ya no se las reconocía cuando el pintor era Renoir. La gente dotada de gusto nos dice hoy que Renoir es un gran pintor del siglo XVIII. Pero al decir esto se olvidan del Tiempo y de que ha sido menester mucho, aun en pleno siglo XIX, para que Renoir fuese saludado como un gran artista. Para lograr ser así reconocido, el pintor original, el artista original proceden a la manera de los oculistas. El tratamiento por medio de su pintura, de su prosa, no siempre es agradable. Cuando ha acabado, el perito nos dice: Ahora, mire usted. Y he aquí que el mundo (que no ha sido creado una sola vez, sino con tanta frecuencia como ha surgido un artista original) se nos aparece enteramente diferente del antiguo, pero perfectamente claro. Pasan por la calle mujeres, diferentes de las de antaño, porque son Renoir, los Renoir en que nos negábamos ayer a ver mujeres. También los coches son Renoir, y el agua, y el cielo (…) Tal es el universo nuevo y perecedero que acaba de ser creado. Durará hasta la próxima catástrofe geológica que desencadenen un nuevo pintor o un nuevo escritor originales.»

José Jiménez Aranda, (Sevilla, 7 de febrero de 1837 – 6 de mayo de 1903) fue un pintor español. Hermano de los también pintores Luis Jiménez Aranda y Manuel Jiménez Aranda.

Orígenes e influencias iniciales

Fue iniciado en sus primeros pasos en la pintura por Manuel Cabral y Eduardo Cano de la Peña.

Dotado para el dibujo, ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. En 1868 estudió en Madrid la obra reunida en el Museo del Prado, especialmente la de Goya y Velázquez. En 1867 viajó a Jerez de la Frontera para trabajar como restaurador y diseñador de vidrieras. En 1871 se trasladó a Roma, donde permanecería cuatro años, conociendo a Mariano Fortuny que influyó notablemente en su obra pictórica.

Viajes

En 1881 se instaló en París, donde tuvo estudio durante nueve años, pintando obras ambientadas en el siglo XVIII, siguiendo el estilo de Fortuny con un notable éxito. En 1890 se trasladó a Madrid, pintando escenas de la vida cotidiana de corte más costumbrista.

Retorno a su ciudad natal

La muerte de su mujer e hija en 1892 hace que se instale definitivamente en su ciudad natal donde es nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes, donde se convertirá en profesor de su escuela en 1897 empleó que conservó hasta su muerte. Daniel Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso, Ricardo López Cabrera, Manuel González Santos y Sanz Arizmendi fueron discípulos suyos de esta época en Sevilla.

En la última década del siglo XIX frecuentó el círculo paisajístico de Alcalá de Guadaíra, dejando en este campo algunos ejemplos de «gran maestro en pintura» (como le llamó Sorolla.

Entre sus obras más conocidas, están: «Una desgracia», «Un lance en la plaza de toros» y «Una esclava en venta».

Fue también un notable dibujante e ilustrador, destacando los 689 dibujos que realizó para la edición del centenario del «Quijote».

Benvenuto Tisi nace en Ferrara o (según se deduce de su apodo) en la localidad de Garofalo, actualmente perteneciente a Canaro en la provincia de Rovigo. Su fecha de nacimiento tampoco es segura; hacia 1491 era aprendiz (del poco conocido Domenico Panetti) y de ello se presupone que pudo nacer hacia 1481, ya que en aquella época los artistas iniciaban su formación a edad infantil. Otras fuentes adelantan su nacimiento en cinco años, a 1476.

Garofalo fue un artista muy viajero. En 1495 trabajaba en Cremona bajo dirección de Boccaccio Boccaccino, quien le familiarizó con el colorido de los pintores venecianos. En 1500 viajó a Roma por primera vez, si bien fue una estancia corta pues en 1501 se trasladó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en el taller de Lorenzo Costa el Viejo. En 1504 regresó a Ferrara, donde trabajó con Dosso y Battista Dossi. En 1506 se trasladó a Mantua, y posiblemente a Venecia dos años después.

Hacia 1512, Garofalo estaba nuevamente en Roma, invitado por Girolamo Sacrati, un miembro de la corte del papa Julio II. Así conoció Garofalo a Rafael Sanzio, una relación que explicaría su evolución hacia un clasicismo estilizado que recuerda a Giulio Romano. También esta estancia fue breve, porque hacia el mismo año ya debía de estar de vuelta en Ferrara, donde realizó numerosas obras para el duque Alfonso de Este y para las iglesias de la ciudad. Hacia 1529-30 se casó, con Caterina Scoperti.

Parece que hacia 1520 tuvo por discípulo a Girolamo da Carpi, quien colaboró con él en algunos proyectos en el decenio 1530-40. Garofalo perdió la vista del ojo derecho en 1531, aunque siguió pintando hasta que quedó completamente ciego en 1550. Murió nueve años después y fue sepultado en la basílica de Santa Maria in Vado de Ferrara, si bien sus restos se trasladaron en 1829 al cementerio de la Cartuja de Ferrara. En 1841 se le erigió un monumento en el Patio de Hombres Ilustres de la citada cartuja.

Garofalo fue un autor prolífico y famoso, y Giorgio Vasari incluyó su biografía en su famosas Vite de artistas.

 

Francis Danby (16 November 1793 – 9 February 1861) was an Irish painter of the Romantic era.^[1][2] His imaginative, dramatic landscapes were comparable to those of John Martin. Danby initially developed his imaginative style while he was the central figure in a group of artists who have come to be known as the Bristol School. His period of greatest success was in London in the 1820s.^[3]

 Early life

Born in the south of Ireland, he was one of a set of twins; his father, James Danby, farmed a small property he owned nearWexford, but his death, in 1807, caused the family to move to Dublin, while Francis was still a schoolboy. He began to practice drawing at the Royal Dublin Society’s schools; and under an erratic young artist named James Arthur O’Connorhe began painting landscapes. Danby also made acquaintance with George Petrie.

In 1813 Danby left for London together with O’Connor and Petrie.^[4] This expedition, undertaken with very inadequate funds, quickly came to an end, and they had to get home again by walking. At Bristol they made a pause, and Danby, finding he could get trifling sums for water-color drawings, remained there working diligently and sending to the London exhibitions pictures of importance. There his large oil paintings quickly attracted attention.

Bristol School

From around 1818/19, Danby was a member of the informal group of artists which has become known as the Bristol School, taking part in their evening sketching meetings and sketching excursions visiting local scenery.^[5] His View of the Avon Gorge (1822) depicts figures sketching in a location favoured by the group.^[6] He remained connected with members of the Bristol School for around a decade, even after leaving Bristol in 1824.^[7]

The group had initially formed around Edward Bird,^[5] and Danby would eventually succeed Bird as its central figure.^[7] Bird’s genre painting had a naturalistic style and fresh colours,^[8] and his influence has been seen on Danby’s style. Examples are Danby’s treatment of figures in Boys Sailing a Little Boat (c. 1821) and The Delivery of Israel out of Egypt (1825).^{[5][9][10][11]} Danby was also close to Edward Villiers Rippingille, whose style developed alongside that of Danby under the influence of Bird.^[8][10]

The Bristol artists, particularly the amateur Francis Gold, were also important in influencing Danby towards a more imaginative and poetical style.^[5][10] George Cumberland, another of the amateurs, had influential London connections.^[12]In 1820 when Francis Danby exhibited The Upas Tree of Java at the British Institution, Cumberland used his influence to promote its favourable reception.^[13] There is also evidence from their correspondence that Cumberland suggested subjects for Danby to paint.^[14] Cumberland was a close friend of William Blake,^[12] and it has been suggested that Blake’s work may also have had some influence on Danby, for example in Danby’s second exhibited painting, Disappointed Love, shown at the Royal Academy in 1821.^[15]

Danby’s atmospheric work An Enchanted Island, successfully exhibited in 1825 at the British Institution and then back in Bristol at the Bristol Institution, was in turn particularly influential on other Bristol School artists.^[5]

Success

The Upas Tree (1820) and The Delivery of Israel (1825) brought him his election as an Associate Member of the Royal Academy. He left Bristol for London, and in 1828 exhibited his Opening of the Sixth Seal at the British Institution, receiving from that body a prize of 200 guineas; and this picture was followed by two others on the theme of the Apocalypse.

Danby painted «vast illusionist canvases» comparable to those of John Martin – of «grand, gloomy and fantastic subjects which chimed exactly with the Byronic taste of the 1820s.»^[16]

Later years

In 1829 Danby’s wife deserted him, running off with the painter Paul Falconer Poole.^[17] Danby left London, declaring that he would never live there again, and that the Academy, instead of aiding him, had, somehow or other, used him badly. For a decade he lived on the Lake of Geneva in Switzerland, becoming aBohemian with boat-building fancies, painting only now and then. He later moved to Paris for a short period of time.

He returned to England in 1840, when his sons, James and Thomas, both artists, were growing up. Danby exhibited his large (15 feet wide) and powerful The Deluge that year; the success of that painting, «the largest and most dramatic of all his Martinesque visions,»^[18] revitalised his reputation and career. Other pictures by him were The Golden Age (c. 1827, exhibited 1831), Rich and Rare Were the Gems She Wore (1837), and The Evening Gun (1848).

Some of Danby’s later paintings, like The Woodnymph’s Hymn to the Rising Sun (1845), tended toward a calmer, more restrained, more cheerful manner than those in his earlier style; but he returned to his early mode for The Shipwreck(1859). He lived his final years at Exmouth in Devon, where he died in 1861. Along with John Martin and J. M. W. Turner, Danby is considered among the leading British artists of the Romantic period