Giuseppe Verdi (1813-1901): “Il Trovatore” – ópera en cuatro actos (Caballé, Arkhipova, Cossutta, Milnes, van Allan, Guadagno)

AutorAlex De LargePublicado en: https://pqpbach.ars.blog.br/2023/02/09/giuseppe-verdi-1813-1901-il-trovatore-opera-em-quatro-atos-caballe-arkhipova-cossutta-milnes-van-allan-guadagno/

Si en la dramaturgia se asocian temas y luminosidad, “Il Trovatore” puede considerarse una ópera nocturna, por los elementos siniestros presentes. Especialmente por una gitana, cuya madre fue condenada a muerte por brujería, y crió, como propio, al hijo del noble que ejecutó la sentencia…

La venganza de la gitana Azucena será el tema central. Y la progresión del drama remitirá al crepúsculo y a la noche… Así, sentimientos de profundo dolor, transfigurados en odio, quedarán inmersos en oscuras luminosidades… Surgirá también un inesperado amor maternal, sorprendiendo a Azucena, por el hijo de ella. el verdugo de la madre – el conflicto la… Además del trágico pero inquebrantable amor de Leonora. Antorchas y hogueras serán los únicos puntos de luz alrededor de los personajes, propios de escenarios medievales, del interior de castillos y campamentos…

La música será una de las más vigorosas escritas por Verdi. Y puntuando una atmósfera violenta, el ritmo viril y frenético atraviesa la ópera y atrapa al oyente, compensando posibles malentendidos en el libreto… Finalmente, la venganza se logrará en la brutal rivalidad por Leonora, entre hermanos que no sabían entre sí – a la muerte de Manrico, «El trovador”, a quien Azucena había criado como hijo… “¡Egl’era tuo fratello!”, condenará a Azucena al joven Conde de Luna. Y terminará: “¡Sei vendicata, o mi madre!”…

Y de la condena arbitraria de un gitano, el drama hacía referencia a los conflictos étnicos, a las semillas del odio y la intolerancia… Por primera vez, Verdi compuso una ópera sin contrato previo. Compuso por el simple deseo de producir –y sigue siendo un misterio cómo llegó a sus manos el texto en español… Sin duda, un período de intensa lectura y motivación, después de los éxitos de “Luisa Miller” y “Rigoletto”- del nuevas melodías y planteamientos, con los que sensibilizaron al público y comentaron su época…

Y a pesar de la gran música escrita en la fase patriótica y su inmensa importancia en el “Risorgimento”, ahora cada obra ganó individualidad, variedad y encanto; ¡También escenas y personajes sorprendentes, que colocaron a Verdi entre los más grandes artistas de ópera!

Motivaciones

De regreso a Roncole, después del éxito de “Rigoletto” en Venecia, Verdi planeaba una nueva ópera, luego para Nápoles. Para ello invitó al poeta Salvatori Cammarano, libretista de “Luísa Miller” y “La battaglia di Legnano” – la última ópera de la fase patriótica…

Verdi tenía una carrera consolidada en la próspera industria de la ópera: la Europa del siglo XXI. XIX… Y, durante varios años respondiendo a invitaciones, experimenté el proceso inverso, primero componiendo y luego definiendo el teatro y el elenco adecuados. Con un amplio conocimiento de la tradición, se permitieron nuevas elecciones y una sensación única: unirse a la vanguardia e inventar el arte de su tiempo…

En el momento de componer “Rigoletto”, había pedido a Cammarano que interrumpiera bocetos de “El rey Lear”, un viejo proyecto… Y le propuso un tema nuevo, “El Trovador”, un drama español, de Antonio García Gutiérrez – “ Preciosa, llena de imaginación y situaciones fuertes… además de una gitana con un carácter especial”, dijo…

Con una probable traducción de Giuseppina, el músico se interesó por la pieza. Y Cammarano, a su vez, lo encontró extraño, consideró inverosímiles los personajes y sugirió cambios. Verdi no estuvo de acuerdo. Con su intuición teatral, percibió “buenos momentos dramáticos y originalidad”…

El músico quedó impresionado por el impulso de los personajes. La gitana dividida entre el amor y la venganza; Conde de Luna, propenso a actos de locura y violencia; la vitalidad de Manrico, “el trovador”; y el amor intransigente de Leonora… Para ello quería un libreto con “formas nuevas y hasta estrambóticas”, quería evitar las tradicionales “cavatinas, duetos y finales”… Y si era posible, escribir algo en “número continuo y único”… Curiosamente, cercano a la concepción del “drama musical”, que desarrolló Wagner en su momento…

Verdi, sin embargo, quedó decepcionado con Cammarano, concluyendo que el libretista estaba desmotivado… Insistió en las novedades, pero Cammarano se resistió… Luego, sugirió otro tema, “sencillo y conmovedor”, probablemente la novela “Dama das Camélias”, de Alejandro Dumas, hijo…

Finalmente decidieron continuar con la pieza española… Pero, factores tristes frenarían el impulso creativo. Las muertes de su madre, Luisa Utini, y del propio libretista Cammarano. Además del malestar permanente: el prejuicio de los habitantes de Busseto sobre la relación con Giuseppina…

Comunidad tradicional de Busseto

En medio de la muerte de su madre, Verdi se angustió y le pidió a su amigo y asistente, Emanuele Muzio, que se encargara de los arreglos del funeral. Al sufrimiento de la pérdida se sumó la relación familiar que se había deteriorado con la presencia de Giuseppina. Además de la solidaridad y el pésame, propios de la comunidad local…

Y Verdi se alejó, viajando a Bolonia, donde dirigió “Macbeth” y “Luisa Miller”, en el “teatro Comunale”… Por otro lado, Verdi y Muzio volvieron a trabajar juntos. Durante el “Levantamiento de Milán” de 1848, Muzio abandonó, ante la inminente reconquista de la ciudad por los austriacos, y se exilió en Suiza…

A finales de 1851, ya instalados en “Villa Sant’Agata”, Giuseppina y Verdi viajarían a París, para escapar del invierno y, posiblemente, de la charla… En París, asistieron a una adaptación teatral de “Dama das Camélias”, en el “Teatro del Vaudeville”, 1852, y Verdi recibiría una carta de su antiguo suegro y protector, Antonio Barezzi, prácticamente, “exigiendo la oficialización de la unión con Giuseppina”…

Verdi se ofendió y recordó a Barezzi viejos agravios con la comunidad de Busseto… Era irreductible, sobre todo, por su relación con Giuseppina, que era sencilla y rutinaria; estilo reservado de ambos; y por la intromisión en asuntos personales, además de la exposición pública ofensiva…

Sin embargo, reiteró todo su afecto y amistad a la figura paterna de Barezzi… En respuesta, Barezzi se mostró discreto y cordial, especialmente por su interacción con Giuseppina – «una aliada que intentaba aliviar el sufrimiento»…

“Villa Sant’Agata”

Por otro lado, compositor de éxito y atento a los gastos personales, Verdi adquirió una propiedad en su pueblo natal, 1844. Y cuando vivía en París, decidió construir una casa – “Villa Sant’Agata”, 1848, donde planeó para establecerse con Giuseppina Strepponi…

Para ambos, un momento delicado en su vida personal. Giuseppina era madre de tres hijos, cuya educación para el mayor, Camillo, había transmitido a otros. Otros dos murieron… Y su vida afectiva, previa a su unión con Verdi, había sido convulsa, entre intensas interpretaciones de diva, en óperas de Rossini, Donizetti, Bellini y otros; intercalados con aventuras amorosas, que resultaron en embarazos inesperados…

Y la familia de Verdi, gente sencilla y de pocos recursos, que ayudaba a cuidar la propiedad. Luisa, su madre, era tejedora y Carlo Verdi, su padre, era comerciante de taberna. A menudo, Carlo enviaba noticias a su hijo: “casi todas las vacas parieron y estaban felices… así que organicé los establos”… Por lo tanto, un choque cultural inevitable esperaba a Verdi y Giuseppina, que llegaron a Bussetto en julio de 1849. Inicialmente vivieron en el “Palazzo Orlandi”, donde Verdi completó “Luisa Miller” y compuso “Stiffelio” y “Rigoletto”…

Y Giuseppina sintió presente la tradición religiosa y conservadora, especialmente frente a una mujer del teatro, que vivía con el músico, y no estaban casados… Sin embargo, se mantuvo discreta, sin presionar para que la unión se oficializara. Quizás la vida anterior de Giuseppina trajo a Verdi cierta inseguridad, si no, simple obstinación… Pero nada era baladí. En Busseto, inevitablemente se convirtió en blanco de ofensas y desprecios… Y, mientras Verdi parecía indiferente, Giuseppina sufrió mucho…

Así, tras el estreno de “Rigoletto”, en Venecia, se trasladaron a “Villa Sant’Agata”, mayo/1851. Los familiares de Verdi abandonaron el lugar y, mientras tanto, Verdi inició correspondencia con Cammarano sobre “Il Trovatore”. En junio se vería impactado por la muerte de su madre, Luisa Verdi Utini…

Finalmente, ocho años más tarde, en 1859, se casarían, permaneciendo juntos hasta la muerte de su esposa, en 1897, una unión de 50 años y una pérdida muy dolorosa… Giuseppina apoyó al joven compositor, desde el estreno de “Oberto”, su primera ópera. Posteriormente cantó el desafiante papel de “Abigail” en “Nabucco”. Y en “Villa Sant’Agata”, colaboró ​​con su experiencia artística y traductora, además de ver germinar melodías que tocarían el mundo…

Música en “Il Trovatore”

Con dominio de la tradición, en “Il Trovatore”, Verdi consideró una mayor continuidad de la música, para evitar demasiadas interrupciones del flujo dramático – de los llamados números… Lo que discutió con Cammarano, pero no fue del todo viable… Curiosamente, algo original y contemporáneo al “drama musical” de Wagner…

Y Verdi encontró la manera de flexibilizar la forma y buscar la brevedad. Por otro lado, las interrupciones repentinas y los cambios de escena también parecían adaptarse al drama español… Así, admitió el potencial de los sketches de Cammarano: “Sigue simplemente ‘Il Trovatore’, como en la introducción, y estaré satisfecho”, dijo. escribió al libretista, junio/1851… Y utilizó leitmotivs en la música de Azucena, para puntuar sus dolores y reminiscencias. Tales adaptaciones, del libreto y de la ópera tradicional, permitieron combinar drama y enfoque musical incisivo: ¡el progresismo verdiano!…

La música de “Il Trovatore” se caracterizará por la aspereza, los acentos y los ritmos incisivos, quizás, cierto carácter español pretendido por Verdi. También por la intensidad y concisión de los recitativos. Y tanto arias como conjuntos, escenas y estribillos se convertirían en verdaderos éxitos de la música verdiiana y universal…

Sin embargo, los coros, de gran colorido y vigor, serían circunstanciales, ya no incorporarían el carácter patriótico ni el canto de la libertad, como en “Nabucco”, “I Lombardi”, “Giovanna D’Arco” y otros –predominando el lirismo. , en el lugar épico…

Durante este período, entonces exiliado en Suiza, Wagner comenzó a componer el ciclo “El anillo del Nibelung”, 1851, y también “Tristán e Isolda”, 1857, explorando los límites de la tonalidad y proponiendo la “sprechgesange” (canción recitada), en sustitución de ópera por números… La década de 1850, por tanto, daría lugar a concepciones musicales y dramáticas que marcarían el final del siglo. XIX y principios de siglo. XX. Y tanto Verdi como Wagner serían grandes referentes…

Muerte de Salvatori Cammarano

Finalmente, Verdi descubriría las verdaderas razones de la lentitud de Cammarano: la salud del libretista. En el viaje a París, además de la carta de Barezzi, recibiría malas noticias desde Nápoles. Otro factor que retrasó la creación de “Il Trovatore”, ahora, cesando por completo… Y al regresar a “Sant’Agata”, marzo/1852, mientras esperaba su recuperación y noticias de Cammarano, recibió nuevas invitaciones de Milán, Venecia y Bolonia… Y acordó componer una ópera para Venecia, que daría como resultado “La Traviata”…

En julio de 1852, lamentablemente, Cammarano murió. Y Verdi escribió a Cesare de Sanctis, amigo y empresario: “La triste noticia me ha golpeado duramente… No tengo palabras para describir un dolor tan profundo… Lo amaste tanto como yo, y comprenderás los sentimientos por los cuales no tenemos expresión”…

El prestigioso poeta napolitano había trabajado con Verdi en “Alzira”, “La battaglia di Legnano”, “Luisa Miller” e “Il Trovatore”… Además de varios maestros italianos, como Gaetano Donizetti (“Lucia di Lammemoor” y “Roberto Devereux”), Saverio Mercadante (“Orazi y Curiazi”) y otros…

Así, el libreto de “Il Trovatore” quedó inacabado. Los últimos versos de Cammarano cerraban el acto III, en la vibrante cabaletta “Di quella Pira”… Verdi pagó a la viuda una cantidad superior a la del contrato, unos 600 ducados. Y contrató a un joven poeta napolitano, Leone Emanuele Bardare, para completar el libreto…

Con la mediación de Cesare de Sanctis, optó por montar “Il Trovatore” en el teatro “Apollo” de Roma. Y pidió a la soprano Rosina Penco, para “Leonora”, un papel importante, y otra voz completa para la gitana, así como la liberación de la censura romana antes de proceder a la finalización de la ópera. En diciembre, se completó “Il Trovatore”, incluidos versos del propio Verdi, para la segunda escena – segundo acto, que Bardare, con humildad y cautela, no se atrevió a modificar… El 20/12/1852, Verdi abandonó “Sant’ Agata” rumbo a Roma, para asistir al estreno de la ópera…

“Caballero de la Legión de Honor”

Mientras componía “Il Trovatore”, agosto/1852, el músico recibió la visita de Léon Escudier, periodista y editor musical francés, en calidad de emisario del gobierno, quien describió el encuentro de la siguiente manera:

“Conocí a Verdi en el momento en que se sentaron a la mesa. Y en compañía de un hombre de rostro franco y afable: ¡una presencia magnífica que tenía en mí el efecto de un patriarca! Era el suegro de Verdi, llamado Antônio. Y después de 15 minutos de conversación, ya lo trataba como ‘papá’ Antônio”…

“A los postres, me retiré y volví con una pequeña caja… Y colocándola delante de Verdi, dije: ‘Querido maestro, una demostración de afecto del gobierno francés y, debo añadir, del público francés’. Verdi frunció el ceño, abrió la caja y se topó con la ‘Cruz de Caballero de la Legión de Honor’, enviada por el Emperador Napoleón III”…

“Verdi intentó ocultar su emoción, pero hubo una gran satisfacción, estrechándome la mano con firmeza. ¡Pero fue ‘papá Antônio’ quien, de hecho, quedó asombrado! Quería hablar, pero no podía articular las palabras. Luego agitó los brazos, se levantó y se arrojó al cuello de Verdi. Lo abrazó contra su pecho, luego me abrazó y sus ojos se llenaron, llorando como un niño”…   

La emoción fue inmensa para Antônio Barezzi… Y la política, a su vez, se hizo de gestos. Verdi fue un ferviente partidario del “Risorgimento”. Y además del reconocimiento artístico, Napoleón III envió señales de la futura política francesa. Cuando era joven, el sobrino de Napoleón Bonaparte luchó por la causa republicana en el sur de Italia. Y cuando su madre, Hortênsia de Beauharnais, reina de los Países Bajos, vivía en Roma, su casa acogió la “carbonara romana”, que reunió a Mazzini, la joven Cristina di Belgiojoso y otros…

“Cerdeña-Piamonte” también buscó acercarse a Francia, a través de la política exterior de Vítor Emanuelle y Cavour. Además de activistas feroces, como Margaret Fuller y la propia Cristina di Belgiojoso –mujer de las “cinco vidas”, que visitó dos veces a Luís Napoleón en prisión, pidiendo apoyo a la causa italiana, aunque sin éxito… Pero, se aparecían nuevos escenarios. surgiendo, potencialmente, favorable al “Risorgimento”…

Se perfilaba un largo proceso preparatorio, que desencadenaría la “segunda guerra de independencia”, a partir de 1859… Y, naturalmente, estaban los intereses franceses, como la anexión de los ducados de “Saboya y Niza”, que serían cedidos. por “Cerdeña-Piamonte” a cambio de la liberación de “Lombardía” – en la victoriosa campaña sardo-piamontesa, comandada por Garibaldi y reforzada por tropas francesas… 

La actuación de Verdi estuvo en línea con las ideas de Giuseppe Mazzini: “Divulgar la causa de la unificación y sembrar el sentimiento nacional, a través de la cultura y, especialmente, la ópera”. Y el compromiso franco del músico contribuyó a que “Risorgimento” se popularizara y saliera a las calles, bajo el lema: “Viva VERDI” – “¡Viva Vitor Emanuelle, Re D’Italia!”

Antonio García Gutiérrez 

Nacido Antonio María de los Dolores García Gutiérrez, el mismo año de Verdi, 1813, tras formarse en medicina – Cádiz, España, el periodista y escritor se trasladaría a Madrid, trabajando como traductor de obras de teatro francesas… Así, tradujo obras de Eugène Scribe y Alexandre Dumas, padre. Autor de extensas obras, ganó protagonismo con la obra “El Trovador”, de 1836. Y, posteriormente, obtendría nuevo éxito con “Simón Bocanegra”, de 1843…

Verdi quedó encantado con los dramas y puso música a ambas obras… Gutiérrez destaca entre los autores españoles del siglo XVII. XIX, la emoción y carácter de sus personajes femeninos; además de preocupaciones sociales, combinadas con exaltadas ideas liberales… 

También escribió poemas y comedias –incluida una versión cómica de “El Trovador”… Y particularmente, en los “dramas en teoría”, habló de costumbres y moralidad. En “Caminos opuestos”, concluyó que el exceso de rigor o la suavidad también producían efectos desastrosos en la educación… En “Los desposorios de Inés”, condenó el matrimonio concertado, del siglo XVII. XIX; en “Partial Eclipse” se pronunció contra el divorcio; en “Un grano de arena”, “Los millonarios” y “El caballero de la industria”, reiteró: “el tramposo siempre termina víctima de su propia trampa, ya sea en los sentimientos o en la vida social”…

A pesar del éxito inicial, las dificultades económicas llevaron a Gutiérrez a trabajar como periodista, viajando a Cuba y México, regresando a España en 1850… Y para su sorpresa, en poco tiempo se haría ampliamente conocido, a través de la ópera de Verdi, “Il Trovatore”, de 1853. Y, posteriormente, Verdi adaptaría “Simón Bocanegra”, de 1857, con libreto de Francesco Piave…

Coincidencia o no, a partir de entonces Gutiérrez recibió varios honores y cargos: “Comendador de la Orden de Carlos III”, 1856; “Supervisor de la Deuda Española en Londres”, 1855 – 1856; miembro de la “Real Academia Española”, 1862; “Cónsul de España en Bayona y Génova”, 1870 – 1872; y “Cruz de Isabel II”…

Sin duda, el interés de Verdi proyectó a Gutiérrez… También es innegable su extensa producción literaria. Posteriormente publicaría también una zarzuela, “El grumete”, 1853; drama histórico “La Venganza catalana”, 1864; y el drama, ambientado en Valencia, “Juan Lorenzo”, 1865. Finalmente dirigió el “Museo Arqueológico de Madrid”, falleciendo en 1884…

Éxito público y crítico

En diciembre de 1852, Verdi viajó a Roma. Giuseppina lo acompañó a Livorno y luego se dirigió hacia Florencia. Verdi estaba preocupado, prefería que Giuseppina no estuviera sola en “Sant’Agata”. Y su compañero le escribió:

“Me alegra saber que estás perdido sin mí. ¡Y te deseo tantas molestias que pronto abandones la bárbara idea de dejarme en paz! Mi querido mago, tu corazón es el de un ángel, pero tu cabeza, a la hora de hablar y cosas así, tiene un cráneo tan grueso que haría que Franz Gall, si estuviera vivo, añadiera extrañas observaciones a las suyas (polémicas). ) “Tratado de Craneología”…

Roma se conmovió con la nueva ópera de Verdi. El estreno tuvo lugar en el teatro “Apollo”, el 19/01/1853, con gran éxito. En los días siguientes, miles de personas recorrieron las calles gritando: “¡Viva VERDI!”… Y, previamente, en 1849, Roma había sido escenario de “La Battaglia di Legnano”, con estupenda aclamación y espíritu patriótico, durante el breve “República Romana”, proclamada por las fuerzas de Mazzini y Garibaldi…

Las melodías de “Il Trovatore” pronto fueron arregladas para diferentes conjuntos, incluso para órganos simples, y escuchadas en Italia y en todo el mundo… Desde el punto de vista vocal, “Il Trovatore” se convirtió en la apoteosis del “bel canto”, con inmensos desafíos. de agilidad, extensión y expresividad. En las escenas, los cambios bruscos obligaban a los personajes a entrar en escena con impetuosidad. La canción alternaba entre brutalidad y melancolía. ¡Y la orquesta, a veces oscura y lúgubre, a veces vigorosa, en una energía torrencial!

La Gazzetta Musicale describió el estreno: “El compositor mereció un triunfo espléndido, ya que escribió música en un estilo nuevo, imbuido de características castellanas… El público escuchó en silencio religioso, rompiendo en aplausos sólo a intervalos y, sobre todo, al final. del Acto 3… Finalmente, el Acto 4 despertó tanto entusiasmo que se volvió a repetir”…

Y a pesar del éxito sin precedentes, Verdi se mostró comedido, destacando que algunos encontraron la ópera triste y con excesivas muertes. “¡Pero, después de todo, todo en la vida es muerte! ¿Qué más hay?”, le escribió a Clara Maffei… En medio del suceso, quién sabe, las pérdidas recientes, de su madre y de su amigo Cammarano, lo invadieron… Además de otras, cuando era joven, de su primera esposa y dos hijos… Así que, al parecer, no se dejó contagiar por los elogios… Y, dentro de unos días, regresaría a “Sant’Agata”, para preparar “La Traviata”…

El éxito de “Il Trovatore” fue tal que inmediatamente se representó en todo el mundo. Y al igual que en París, en Río de Janeiro tuvo lugar en 1854, un año después de su debut en Roma, en el “Teatro Provisório”, más tarde llamado “Teatro Lyrico Fluminense” – activo desde 1852/75. Incluso antes, Londres o Nueva York…

Período en que el público carioca vio “Macbeth”, 1852, “Atila” y “Luisa Miller”, 1853; “La Traviata”, 1855, “Rigoletto”, 1856, y “Giovana D’Arco”, 1860… Posteriormente sería demolido, como parte de un nuevo planeamiento urbanístico e inauguración del “Teatro D. Pedro II”, abril/ 1875…

Libreto para “El Trovatore”

Entre las óperas más representadas, el libreto de “Il Trovatore” es uno que puede generar cierta confusión, si no incomprensión. Esto no impidió el éxito, debido al entusiasmo viril y desenfrenado… La trama, sin embargo, requiere el conocimiento de hechos que preceden al comienzo de la ópera, para ser comprendidos por el oyente – riesgo de confusión, más que compensado por el brío musical…

Y para comprender el drama hay que fijarse primero en el relato del capitán de la guardia, el Conde de Luna, “Ferrando”, abriendo la ópera en “Abbietta zingara” (“Abjecta gitana!”), con la siguiente narración:

“El viejo Conde de Luna, fallecido, tenía dos hijos de edades similares… Una noche, cuando aún eran pequeños, durmieron bajo el cuidado de una criada… Al amanecer, se vio a un viejo gitano inclinado sobre la cuna de la menor, llamada García… La gitana Fue retirada, pero la salud de la niña empeoró y se concluyó que estaba hechizada… ¡Perseguida y capturada, la gitana fue condenada a muerte en la hoguera!

“Después de la ejecución de su esposa, el hijo menor del Conde de Luna, García, desapareció misteriosamente… Y al día siguiente, un niño apareció muerto, arrojado al fuego que había consumido al gitano…”

Esta historia, a modo de prólogo, es fundamental para comprender los hechos, pues, al inicio de la ópera, Manrico (García) ya es un adulto; Azucena (hija de la condenada), una anciana gitana; El viejo Conde de Luna había muerto y su hijo mayor (hermano de García) se había convertido en heredero, como nuevo Conde de Luna…

“El joven conde, como su padre, nunca creyó en la muerte de su hermano, ni siquiera cuando se les presentaron los restos de un niño quemado en la hoguera”… Así, comienza el libreto y el fluir de los acontecimientos…

Otros informes

“¡Azucena, entonces, una joven gitana con un hijo pequeño, presenció la muerte de su madre y juró venganza! La noche siguiente, se coló en el castillo y secuestró al hijo menor del Conde de Luna, llamado García… Y lo llevó al lugar de ejecución para arrojarlo al fuego, todavía rugiendo… Pero, angustiada por el horror que había presenciado, Azucena, enloquecida, arroja al fuego a su propio hijo, en lugar del niño secuestrado. Y decide criarla, llamándola Manrico, más tarde conocido como “el trovador”…

“En su delirante fantasía, Azucena, obsesionada, pretendía vengarse de alguna manera, tal vez en el futuro, a través del hijo del conde… Pero, comenzó a amar al niño como a un hijo, dejándola desgarrada”…

La cultura gitana es matriarcal. Y las cuestiones de afecto y de dignidad, entre las mujeres, son decisivas para las decisiones y las acciones… Lo que intensificó la obsesión, ante el asesinato de la madre, agravada por el sacrificio del hijo. Además del contexto social, marcado por la diversidad cultural y los prejuicios. Sin embargo, se contrapuso un nuevo sentimiento, el amor maternal, que surgió y sorprendió a Azucena…

Tales circunstancias, a veces extrañas, pero que daban lugar a situaciones intensas, despertaron el interés de Verdi. De modo que, si no fuera por elementos de perturbación psíquica de los personajes, podría tratarse de un melodrama mal concebido, ya que Cammarano pedía, sobre todo, la inexplicable presencia de una gitana junto a la cuna de un niño, o del hijo de Azucena, absurdamente, tirado. al fuego… Por el contrario, fueron tales emociones y acontecimientos los que motivaron a Verdi…

Por otro lado, la trama hacía referencia a conflictos complejos, la oposición entre prejuicios étnicos y resentimientos –“los estigmas de la subcultura y la brujería, capaces de comportamientos bárbaros y atroces”; cuando la violencia brutal y la quema en la hoguera, en sí mismas, también constituían barbarie, producían dolor y suscitaban odio; victimizar y alimentar sentimientos de venganza…

Escenario y personajes

Ambientada en las Guerras Aragonesas, siglo. XV – Aragón versus Vizcaya, el drama histórico de Gutiérrez aborda, sobre todo, cuestiones sociales, políticas y religiosas, propias de la España de la época –siglo XVII–. XIX…

Y la narrativa, en un pasado lejano, permitía acercarse a impulsos elementales, como el amor, los celos, el odio o la venganza. Impulsos universales, pero evidentes en la optimista cultura española, fascinando a Verdi con la contundencia y obstinación de los personajes –arquetipos, entrelazados con sus pasiones…

Así, como en “Fedora”, de Giordano, en el aria “Amor, ti vieta di non amar” (“Amor, tienes prohibido no amar”), “Leonora” tenía la opción de amar o morir por amor; la gitana “Azucena”, atormentada por el deseo de venganza, lo convirtió en el único motivo de sus actos; “Manrico”, el hombre virtuoso que rechaza la libertad negociada por “Leonora”, sino porque ella lo ama; y, finalmente, el Conde de Luna, ignorando el parentesco, mataría a su propio hermano, objeto de implacables celos y odios…

“Il Trovatore” expresa una trágica sucesión de encuentros y desencuentros, de pasiones y obsesiones, donde todos pierden. Y se les niegan los espacios de placer, esperanza y felicidad: sucumben a los conflictos y la violencia, al resentimiento y al odio extremos…

• Sinopsis

La acción se desarrolla en España, durante las Guerras Aragonesas, a principios del siglo XX. XV.

• Personajes: Duquesa Leonora, dama de honor de la Princesa de Aragón (soprano); Inês, confidente de Leonora (soprano); Azucena, gitana vizcaína (mezzosoprano) ; Conde de Luna, joven noble de Aragón (barítono); Ferrando, Capitán de la guardia del Conde de Luna (bajo); Manrico, “el trovador”, supuesto hijo de Azucena y líder de las tropas al mando del príncipe de Vizcaya (tenor); Ruiz, soldado al servicio de Manrico (tenor); Viejo gitano (barítono);
• Coros: Integrados por gitanos, la comitiva del Conde Luna y Manrico, presos y monjas.
• Ballet: Para la producción francesa, Verdi añadió unos 15 minutos de ballet.

La ópera comienza con una breve “Introducción” orquestal .

Acto I – “El Duelo”

Escena 1 (Prólogo): “En Vizcaya, España”

El juego de metales, con fanfarria militar, abre la escena. Soldados reunidos en Vizcaya comentan unos extraños acontecimientos, que involucraron a una gitana, condenada a muerte en la hoguera por brujería, acusada injustamente de enfermar a uno de los hijos del conde, cantada por Ferrando, capitán de la guardia del conde de Luna, en “Abbietta zingara ” (“¡Abyecta gitana!”)… Y antes de morir, la condenada ordenó a su hija vengarse…

Y Fernando dice que un joven gitano había secuestrado a uno de los hijos del conde. Y que, al día siguiente de la condena, entre las cenizas se encontraron los huesos de un bebé… En esta escena, un coro de soldados responde: “¡Ah, sceleratta! ¡Oh, infame donna! (¡Ah, bandido! ¡Oh, mujer infame!)… El conde, sin embargo, nunca creyó que se tratara de los restos de su hijo secuestrado. Y, al cabo de un tiempo, antes de morir, pidió a su primogénito y futuro Conde de Luna que buscara a una gitana –llamada Azucena…–.

Escena 2: “En el Palacio de la Aljafería”

La duquesa Leonora, dama de honor de la princesa de Aragón, pasea con su camarera por los jardines del gran Palacio de Aljaferia. Y habla de su cariño por un joven soldado y “trovador”, al que conocería por las noches. Luego canta la hermosa aria “Tacea la notte placida” (“Noche plácida y silenciosa”), luego la vibrante cabaletta “Di tale amor, che dirse”. Antes del encuentro, sin embargo, aparece el Conde de Luna y, fuera de escena, se escucha al “trovador” anunciando su llegada, en la novela “Deserto sulla terra, col rio destino inguerra, è sola speme un cor” como en el desierto, un corazón está solo en la esperanza, ante el cruel destino de la guerra”)…

Ansiosa por el encuentro, Leonora muestra su encanto, emoción percibida por el Conde… Entonces entra Manrico, “el trovador”… Al notar el interés de Leonora por otro, el Conde, que la ama, se declara rival. Manrico se presenta como seguidor del príncipe de Vizcaya, exiliado en Aragón. Y la situación se vuelve tensa. Ambos rivalizan en la guerra y, ahora, en el amor… Se desafían e inician un duelo. La escena se desarrolla en el agitado triplete “¡Di gerarso amor sprezzato, arde in me tembloring il fuoco!” (“¡Por ​​el amor celoso y despreciado, arde en mí tremenda revuelta!”). En condiciones de asestar un golpe mortal, Manrico no lo hace… Asustada por la violencia, Leonora se desmaya…

Acto II – “El Gitano”

Escena 1: “En la comunidad gitana”, en Vizcaya

Al pie de una montaña, en Vizcaya, vive una comunidad de gitanos. Los hombres trabajan como herreros y todos cantan el famoso “¡Vedi! le fosche notturne spoglie” (¡Mira! ¡Las noches desnudas y oscuras!”), conocido como el “Coro de los Herreros”…

Azucena, la madre de Manrico, le cuenta el pasado en una dramática historia. De la muerte de una anciana gitana (su madre), en el aria “Stride la vampa, la folla indomita corre a quel focus lieta in sembianza! Urli di gioja intorno eccheggiano cinta di sgheri…” (“La llama crepitó. La multitud rodeó la hoguera. Y los gritos de alegría resonaron en el asedio de los bandidos…”)

Se lamenta Manrico, en “Soli orsiamo! ¡Deh, cuenta esa fatídica historia! (“¡Solos aguantamos! ¡Ah, cuenta esta triste historia!”)… Azucena canta “¡Essa bruciata vene, ov’arde quel focus!” (“Mis venas arden, como esa hoguera”). Y expresa su dolor en el aria “Condotta ell’era in ceppi al suo destin tembloroso, col figlio in sulle braccia, io la seguia piangendo” (“Encadenada a la terrible suerte, seguí llorando, con mi hijo en brazos” ). Y mientras ardían las llamas, Azucena escuchó de la condenada “¡Allor, con torso acento: mi vendica! scclamo” (Con voz entrecortada, exclamó: ¡Véngame!”)…

Manrico pregunta “¿La vendicaste?…” A lo que Azucena responde: para vengar la muerte de su madre, su hija secuestró a uno de los hijos del viejo Conde de Luna, su verdugo, para arrojarlo a las llamas, en “Il figlio giunsi a rapir del conde. Lo trascinai qui meco le fiamme ardean già pronte” (“Secuestré al hijo del conde. Lo arrastré conmigo y las llamas seguían ardiendo…”). “Ei destruggeasi in pianto. Io mi sentiva in core dilaniato, infranto…” (“El niño lloró mucho. Sentí mi corazón roto, desgarrado”)…

Y continúa: “Quand’ecco agl’egri spirti. Come sogno, para. ¡La visión salvaje de la larva de spaventosis! ¡Gli sgherri! Ed il suplizio! La madre smorta a cambio, scalza, discinta! Il grido, il grido, il noto grido ascolto! ¡Véndeme! (“Como un eco de espíritus, una nube oscura cayó sobre mí. ¡Y como un sueño, la visión salvaje de larvas aterradoras! ¡Los bandidos! ¡La tortura! ¡La madre pálida, descalza, tranquila! Y el llanto, el llanto familiar que yo ¡Escuchadme! ¡Véngame!”)…

Luego, Azucena canta “La mano convulsa stendo stringo la vittima nel focus la traggo, la sospingo! ¡Cesa el delirio fatal, l’orida scena fugge! ¡La fiamma sol divampa, e la sua preda strugge!” (“¡Extendí mi mano convulsionada, agarré a la víctima y la empujé al fuego! ¡Cesó el delirio fatal, la escena horrible! ¡Una sola llama se encendió y quemó a su presa!”)…

Y concluye el aterrador informe: “¡Vuelve a la guardia e innanzi me vegg’io dell’empio conte il figlio! Il figlio mio, mio ​​figlio avea bruciato! ¡Qué horror! ¡Ah, quale horror, mi figlio, mi figlio! ¡Sul capo mio le chiome sento drizzarsi ancor! (“Entonces miro hacia atrás y veo ante mí al hijo del innoble conde. ¡Hijo mío, hijo mío quemado! ¡Qué horror! ¡Ah, qué horror, hijo mío! ¡Se me erizaron los pelos de la cabeza!”) …

 – Al contar hechos terribles, Azucena insinúa la tercera persona y, poco a poco, va tomando protagonismo. Recuerda con extrema dificultad los momentos dolorosos y angustiosos, intercalados con alucinaciones y terror – tremenda culpa y odio… Además, despierta desconfianza en Manrico…

Manrico exclama: “¡Quale horror!”… Y perturbado por la escena, pregunta: “Non son tuo figlio. ¿Y chi son io? ¿Chi dunque? (“No soy tu hijo. ¿Quién soy yo? ¿Quién entonces?”)… Si Azucena no fuera su madre, igual lo cuidaría con amor… “Tu sei mio figlio”, Azucena responde: ¿cómo cuidaría yo de tu heridas y con tanto cuidado, de la “batalla de Petilla”, si no fuera por tu madre…

Y comienzan el conmovedor dueto “Mal reggendo all’aspro attack”. Manrico relata haber derrotado al conde en un duelo, pero se vio impedido de matarlo, misteriosamente, por una extraña sensación y un poder… A lo que Azucena responde “Ma nell’alma dell’ingrato non parlò del cielo un detto. ¡Oh! Si te ancla, hago girar el hecho para luchar contra Maledetto, compi, o figlio, como d’un dio, compi allora il cenno mio!” (“Pero en el alma de la ingrata no vino un dicho del cielo. ¡Oh! Si el destino te lleva a luchar contra los malditos, cumple, ¡oh! hijo, como de la divinidad, mi llamamiento!”)…

En “Il Trovatore” las escenas están marcadas por una intensa expresividad y emoción… Entra Ruiz, mensajero del Príncipe de Vizcaya, convocando a Manrico para comandar la defensa de la fortaleza “Castellor”. Y Azucena apela: “¡Mi vendica!” (“¡Véngame!”)… Ruiz le informa a Manrico que, imaginando que lo habían matado en “Petilla”, Leonora había decidido hacerse monja. Y de camino a “Castellor”, ¡Manrico decide ir al convento!…

Escena 2: “En el convento”, cerca de la fortaleza de Castellor

El Conde de Luna también se enteró de la decisión de Leonora y con sus soldados, comandados por Ferrando, se dirigió al convento para secuestrarla… El Conde de Luna canta su amor en la bella aria “Il balen del suo smile” (“Brillante de tu sonrisa”) – referencia del repertorio de barítono, seguida de la cabaletta “Per me, ora fatale” (Para mí, momento fatal)…

Voces femeninas entonan una canción religiosa, mientras Leonora, acompañada de Inés y damas, se dirige hacia el convento… El Conde de Luna interviene, pero antes de arrastrarla llegan Manrico, Ruiz y sus soldados… ¡El Conde es repelido!… Y Leonora exclama: “¡E deggio! ¿Y puedo acreditarlo? (“¡Debo! ¿Puedo creer?”), al ver a su amado. Comienza un cuarteto entusiasta: Leonora, Manrico, el Conde de Luna y Ferrando, luego, con soldados y monjas, en un concierto grandioso… Finalmente, Manrico y sus hombres se llevan a Leonora…

Acto III – “El hijo del gitano”

Escena 1: “En el campamento militar del Conde de Luna”

Tropas del Conde de Luna asedian el castillo de Castellor, donde se encuentran Manrico y Leonora. Las luchas aragonesas dan paso a la pasión de dos soldados rivales. Como en el segundo acto, la escena se abre con el famoso coro, luego, en el campamento militar, “Or co’ dadi, ma fra poco, giocherem ben altro gioco” (“Ahora con dados, pero pronto, en otro y diferente juego ” ). En la versión francesa, se desarrolla un ballet en el acto III…

El Conde se aparece a los soldados y le informan de la captura de un gitano, que merodeaba por el campamento… Se trataba de Azucena, que se presenta como una mujer inofensiva y pobre, en el aria “Giorni poveri vivea” (“Días de miseria, ella vivió”). Sin embargo, Ferrando la reconoce, a pesar de sus arrugas y sus canas… Azucena lo niega y llora llamando a Manrico, gritando que es su hijo… Al enterarse de que ella es la madre de Manrico, enfurecido, el Conde de Luna decide enviar ella a la hoguera…

Escena 2: “Salón de la fortaleza de Catellor”

En “Castellor”, se prepara la boda de Leonora y Manrico… En un salón cercano a la Capilla, Manrico expresa su alegría en otra hermosa aria: “Ah sì, ben mio, coll’essere io tuo, tu mia consorte” ( “¡Ah, sí, querida, soy tuya y tú eres mi esposa”)…

En el momento de la boda, Leonora y Manrico se dan la mano hacia la Capilla, pero Ruiz, el escudero de Manrico, entra apresuradamente… Azucena ha sido capturada y será llevada a la hoguera… ¡Las llamas se ven desde el castillo! Ante la urgencia y el revuelo, la ceremonia se interrumpe y Manrico convoca a sus tropas en la famosa cabaletta “Di quella pira, l’orrendo focus tutte le fibre m’arse” (“De esa hoguera, fuego horrendo quema mis fibras”), en ¡Un final vibrante! 

– Al final de la cabaletta “Di quella pira”, los tenores cantan el famoso “Do alto”, no escrito por Verdi, pero incorporado a la partitura. Verdi no escribió “do alto” para tenores y, en tono de broma, dijo: “los cantantes pierden el foco en la trama hasta la ejecución del ‘do alto’… Y después de ejecutarlo, bueno o malo, de la misma manera”…

Acto IV – “La prueba”

En los calabozos del “palacio de la Aljafería”, estaban prisioneros Manrico y Azucena. El intento de salvar a Azucena había fracasado… En una noche oscura, Leonora entró en el castillo, acompañada de Ruiz, quien le indicó la ubicación de la prisión y salió… Leonora tenía en mente un arriesgado plan para liberar a Manrico. Y junto con él, lleva un veneno. Canta el aria “D’Amor sull’ali rosee” (“Del amor, sobre alas rosas”), expresando todo su amor – una referencia en el repertorio de la soprano…

Sigue un sombrío “Miserere”. Y con el telón de fondo de un “coro de presos”, detrás del escenario, que canta un “salmo”, Leonora canta “Quel suon, quelle preci soleni, funeste” (“Estos sonidos, oraciones solemnes y fatales”); Manrico, también fuera de escena y prisionero en la torre, responde, al notar la llegada de Leonora, en “Ah, che la morte agnora” (“Ah, la muerte ella ignora”) – un dueto dramático, para muchos, un gran momento. de “El Trovatore”. Después de “Miserere”, sigue una intensa cabaletta, donde Leonora anuncia “Tu vedrai che amore in terra” (“Verás que hay amor en la tierra”), entre el éxito de su plan y el veneno que trajo consigo!… 

Entra el Conde de Luna, en terrible orden: “¿Udiste? Come albeggi, al scure al figlio, ed alla madre il rogo” (¡Oye! ¡Al amanecer, el hacha para el hijo y para la madre, la hoguera!”)… El Conde buscaba a Leonora y se sorprende al verla en el castillo. , en “¿A che venisti?” (“¿Hasta dónde has llegado?”). Leonora responde en “Egli è già presso all’ora estrema; y tu chiedi? Ah sì, per esso pietà dimando” (“Se acerca la hora final y ¿pedís? Por eso pido clemencia…”). Cuenta “¡Che!… ¡estás delirando! ¿El rival sentirá pietà?” (“¿Qué? Estás delirando. ¿Sientes pena por un rival?”) y Leonora “Clemente nume a te l’ispiri” (“Clemente, Dios te inspira”)… Conde responde “È sol vendetta mio nume… Va’!” (“Sólo la venganza es mi Dios… ¡Vete!”)

La escena se convierte en un intenso dueto. Leonora comienza “Mira, di acerbe tear me spargo al tuo piede un rio… ¿No basta el pianto? Svenami, bebí mi sangre… Calpesta mi cadáver… ¡salve al trovator! (“Mira, derramo un torrente de lágrimas a tus pies… ¿No es suficiente llorar? Bebe mi sangre. Pisa mi cadáver. ¡Pero salva al trovador!”).

Y el conde responde “¡Più l’ami, e più terribile divampa il mio furor!” (“¡Cuanto mayor es tu amor, mayor es mi furia!”). El Conde amenaza con irse y Leonora lo agarra. Leonora canta “Uno ve n’ha! sol uno!… Ed io… te l’offro” (“¡Hay un precio! ¡Sólo uno!… Y yo… te lo ofrezco”). Conde pregunta “Spiegati, ¿qué precio? ¡Di!» (Explica, ¿qué precio? ¡dímelo!”). Leonora responde “Me stessa” (“Yo misma”), “Che la vittima fugga, e son tua” (“Deja escapar la víctima y seré tuyo”)…

Mientras el Conde se dirige a un guardia en la torre, Leonora ingiere veneno de un anillo y susurra “¡M’avrai, ma fredda, esanime spoglia!” (“¡Me tendrás, pero frío, sin vida y desnudo!”). Y el conde confirma “Colui vivrà…” (Vivirá…). Leonora, entre lágrimas y alegría, canta “¡Vivrà!… contende il giubilo i detti a me, signore… ma coi frecuenti palpiti mercé ti rende il core!” (¡Vivirá!… Contengo la alegría de las palabras que escucho, señor… ¡Palpitaciones intensas, por la misericordia de su corazón!)…

Y continúa: “Ora il mio fine impavida, piena di gioia attacko… Potrò dirgli morendo: save tu sei per me!” (Ahora mi final intrépido, lleno de alegría, espero… podré decirle, muriendo: ¡estás a salvo para mí!”)… El Conde responde en “¿Fra te che parli? Volgimi, mi volgi il detto ancora, mi parrà delirio como ascoltai finara… tu mia!… riptilo. Il dubbio cor serena…” (“¿Qué, hablas solo? Vuélvete hacia mí, repite, o parecerás delirante… ¡eres mía!… Repite y la duda de mi corazón se disipará…”). Y Leonora canta “Andiam” (“Vamos”). Conde responde “¡Giurasti…pensaci!” (“¡Lo juraste, piénsalo!”). Leonora finge en “È sacra la mia fé!” (“¡Sagrada es mi fe!”)… Al final de este monumental dueto, Leonora entra en la torre, encontrándose con Manrico y Azucena…

En la prisión, entre ventanas enrejadas y una iluminación tenue, están Manrico y Azucena… En la soledad y ante la perspectiva de la condena, la vieja gitana canta “Sì, la stancheza m’opprime, o figlio… alla quïete io chiudo il ciglio! Pero si la oración arde, no puedes evitar que suceda, ¡aléjate!” (“Sí, el cansancio me oprime, hijo mío… ¡Cerré los párpados, en el silencio! Pero, ardió una llama horrible, ¡entonces desperté!”)… “¡Difendi la tua madre!”…

Después de un recitativo atormentado, la canción se disuelve en un hermoso y esperanzador dueto “Ai nostri monti… ritorneremo!… l’antica pace… ivi godremo!… Tu canterai… sul tuo liuto… in sleep placido… io dormiò!” (“A nuestras montañas… ¡volveremos!… a la antigua paz… ¡allí disfrutaremos!… Cantarás… en tu laúd… en el sueño tranquilo… ¡yo dormiré!”). Manrico responde en “Riposa, o madre: io prono e muto la mente al cielo rivolgerò” (“Descansa, madre mía. Postrada y muda, levanto mi mente al cielo”). Azucena se queda dormida y Manrico se queda a su lado… 

La puerta se abre y entra Leonora, para advertir a Manrico y Azucena que huyan. Manrico se sorprende al saber que Leonora se quedaría. Leonora había intercambiado su libertad aceptando casarse con el conde. Sin embargo, ya estaba bajo el efecto del veneno…

Manrico se indigna, se siente humillado por tal trato, sin darse cuenta del efecto del veneno… ¡Maldita Leonora! ¿Qué libertad sería ésta?… El tiempo, sin embargo, se acababa… Necesitaban escapar y el veneno estaba haciendo efecto. La escena se desarrolla en el dueto “¡Che!… non m’inganna quel fioco lume?” (“¿Qué? Esta tenue luz no me engaña”)…

Azucena, que estaba dormida, balbucea algo como “Ai nostri monti… ritorneremo!… l’antica pace… ivi godremo!” (“A nuestras montañas… volveremos… a la antigua paz… ¡luego disfrutaremos!”)… La escena se convierte en trío, con Leonora y Manrico. Leonora comienza a desmayarse y suplica escapar… ¡Manrico resiste!…

Entra al conde y se encuentra con Leonora moribunda. ¡Comprende el trato de Leonora, intercambiando la libertad de Manrico por su propia vida! ¡Cuánto amor sentía!… Y Manrico se da cuenta del trágico sacrificio de su amada. No había más tiempo, ni quería escapar…

Se desarrolla el terceto final, “Prima che d’altri vivere… io… volli tua morir!…” (“Antes de vivir para los demás… yo… ¡por ti, moriré!…”). Leonora muere en brazos de Manrico… ¡Y el Conde, lleno de ira y celos, ordena ejecutar a Manrico!… 

Manrico se dirige a Azucena, “Madre… ¡ay, madre, addio!”… Azucena, despertando, “¡Manrico! ¿Ov’è mio figlio? (“¡Manrico! ¿Dónde estás, hijo mío?”). Conde pregunta: “¡La muerte corre!” (“¡A muerte y rápido!”) y arrastra al gitano hasta una ventana… Azucena se resiste, “¡Ah carajo! m’odi…” (“¡Detente! Me odias…”)

Azucena presencia la muerte de Manrico y, desesperada, grita: “¡Cielo!… ¡Egli era tuo fratello!”… ¡Mataste a tu hermano!… Sorprendido y horrorizado, el Conde exclama: “¡¡Oye!… quale horror!!… Azucena sentencia: “Lo sé vendicata, oh madre!! (“¡¡Estás vengada, madre mía!!”) y el viejo gitano cae postrado… Con el suicidio de Leonora, el trágico y brutal reencuentro con García (Manrico) y una soledad más dolorosa, el Conde de Luna se lamenta: “¡Y yo vivo ancla!” (“Y sigo vivo…”)

– Baja el telón –

“Il Trovatore” es un drama intenso y contundente, donde la música desborda, poderosa y volcánica – ¡un gran momento en la producción y el romanticismo de Verdi!…  

Luego de su estreno, se representó en el “Théâtre Italien”, París, 1854; “Teatro Lírico Fluminense”, Río de Janeiro, 1854; “Academia de Música”, Nueva York, 1855; “Covent Garden”, Londres, 1855; “Teatro Royal Drury Lane”, Londres, 1856; “Opéra”, de París, 1857; “Ópera Metropolitana”, Nueva York, 1883; y muchos siguieron… 

1. Grabaciones de “Il Trovatore”

Gran éxito desde su estreno en Roma en 1853, “Il Trovatore” se ha representado ininterrumpidamente en todo el mundo, haciendo imposible enumerar tantas producciones. Así que presentaremos una breve lista de grabaciones y DVD:

• Grabación de audio, 1947 – CD MYTO

“Orquesta y Coro de la Ópera Metropolitana”, dirigida por Emil Cooper
Solistas: Stella Roman (Leonora) – Margaret Harshaw (Azucena) – Jussi Björling (Manrico) – Leonard Warren (Conde de Luna) – Giacomo Vaghi (Ferrando)
“Ópera Metropolitana ” , Nueva York, EE. UU.

Nota: Excepcional elenco, donde destacamos las hermosas voces e interpretaciones de Margaret Harshaw (mezzo) y Leonard Warren (barítono).

• Grabación de audio, 1962 – CD Melodram

“Orquesta del Teatro alla Scala”, dirigida por Gianandrea Gavazzeni
Solistas: Antonietta Stella (Leonora) – Fiorenza Cossotto (Azucena) – Franco Corelli (Manrico) – Ettore Bastianini (Conde de Luna) – Ivo Vinco (Ferrando)
“Coro de la Teatro alla Scala”, dirigida por Norberto Mola
Milán, Italia

• Grabación de audio en CD – “Bella Voce”, 1975

“Orquesta y coro de la Royal Opera House”, dirigida por Anton Guadagno
Solistas: Montserrat Caballé (Leonora) – Irina Arkhipova (Azucena) – Carlo Cossutta (Manrico) – Sherill Milnes (Conde de Luna) – Richard Van Allan (Ferrando)
” Covent Garden”, Londres

• Grabación de audio en CD – EMI, 1977

“Berliner Philharmoniker”, dirigida por Herbert Von Karajan
Solistas: Leontyne Price (Leonora) – Fiorenza Cossotto (Azucena) – Franco Bonisolli (Manrico) – Piero Capucilli (Conde de Luna) – Jose Van Dam (Ferrando)
“Chor der Deutschen Oper Berlin » , Alemania.

• Grabación de vídeo – DVD TDK, 1978

“Orchestre der Wiener Staatoper”, dirigida por Herbert Von Karajan
Solistas: Raina Kabaivanska (Leonora) – Fiorenza Cossotto (Azucena) – Plácido Domingo (Manrico) – Piero Cappuccilli (Conde de Luna) – José van Dam (Ferrando)
“Chor der Wiener Staatoper” ”, dirigida por Helmuth Frochauer
Viena, Austria

• Grabación de vídeo en DVD “Deutsche Grammophon”, 1988

“The Metropolitan Opera Chorus and Orchestra”, dirigida por James Levine
Solistas: Eva Marton (Leonora) – Dolora Zajick (Azucena) – Luciano Pavarotti (Manrico) – Sherrill Milnes (Conde de Luna) – Jeffrey Wells (Ferrando)
Nueva York, Estados Unidos

• Grabación de audio – EMI CD, 2001

“London Symphony Orchestra ”, dirigida por Sir Antonio Pappano
Solistas: Angela Gheorghiu (Leonora) – Larissa Diadkova (Azucena) – Roberto Alagna (Manrico) – Thomas Hampson (Conde de Luna) – Ildebrando D’Arcangelo (Ferrando)
“London Voices Chorus Master”, dirigida por Terry Edwards,
Londres, Inglaterra

• Grabación de vídeo, 2017.

“Orquestra Clásica del Maule”, dirigida por Francisco Rettig
Solistas: Paulina González (Leonora) – Evelyn Ramírez (Azucena) – Giancarlo Monsalve (Manrico) – Omar Carrión (conde de Luna) – David Gaez (Ferrando)
“Coro del Teatro Regional del Maule”, dirigida por Pablo Ortiz
Talca, Chile

Nota: Excelente producción sudamericana, realizada con dedicación, entusiasmo y hermosas voces. 

• Grabación de vídeo – DVD “Fondazione Arena di Verona” – Do mayor, 2020

“Orquesta y Ballet de la Arena di Verona”, dirigida por Pier Giorgio Morandi
Solistas: Anna Netrebko (Leonora) – Dolora Zajick (Azucena) – Yusif Eyvazov (Manrico) – Luca Salsi (Conde de Luna) – Riccardo Fassi (Ferrando)
“ Coro de la Arena di Verona”, dirigida por Vito Lombardi
Verona, Italia

• Descargar en PQP Bach

Para descargar y compartir la música de Verdi en “Il Trovatore”, sugerimos la grabación de audio de “Bella Voce”, 1975, “Orchestra and chorus of the Royal Opera House”, de Londres, dirigida por Anton Guadagno y grandes solistas:

DESCARGAR AQUÍ — DESCARGAR AQUÍ

Voces solistas y dirección.

Los solistas de esta grabación son de primera categoría. Y en el personaje de “Leonora”, la magnífica María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé i Folch – Montserrat Caballé, soprano catalana, entre las más grandes cantantes de ópera de todos los tiempos… Graduada en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona, ​​su carrera Comenzó en Suiza la “Ópera de Basilea”, con un repertorio que incluía a Mozart y Johann Strauss…

Posteriormente, Caballé se convirtió en cantante permanente de la “Opera de Bremen”, Alemania. Y el momento culminante mundial ocurrió en Estados Unidos, en el “Carnegie Hall”, 1965, cuando imprevisiblemente reemplazó a la mezzosoprano Marilyn Horne, en “Lucrezia Borgia”, de Donizetti, recibiendo aplausos durante 25 minutos. ¡Estaba ocurriendo una revelación!… Los entusiastas críticos neoyorquinos sintetizaron a Caballé en la ecuación “Callas+Tebaldi”…

En alrededor de 130 grabaciones, el repertorio de Caballé es amplio, desde Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi y Puccini; incluso Wagner y Richard Strauss… Finalmente, ocasionalmente, incursionó en el “rock” y el “heavy metal”… Murió en Barcelona, ​​a los 85 años…

Impecable en el papel de la gitana “Azucena”, la mezzosoprano rusa Irina Konstantinovna Arkhipova – Irina Arkhipova. “Técnica irresistible y gran poder expresivo” son características que se le atribuyen al famoso cantante, nacido en Moscú, Rusia…

Formada inicialmente en arquitectura y, posteriormente, en el “Conservatorio de Moscú”, Arkhipova destacó en el repertorio ruso e italiano. Y brilló en “Khovanschina” y “Boris Gudonov”, de Mussorgsky; también en “Eugene Onegin”, de Tchaikovsky, presentándose en los principales teatros del mundo. En la antigua URSS recibió distinciones como “Artista del Pueblo”, 1966, y “Héroe del Trabajo”, 1984…

Interpretando a “Manrico”, el tenor dramático italiano, de ascendencia eslovena, Carlo Cossutta. Nacido en Santa Croce del Carso, cerca de Trieste, Italia, Cossuta emigró a Argentina, donde comenzó y terminó su carrera – en el “Teatro Colón”…

En Buenos Aires destacó en “Don Rodrigo”, de Ginastera, luego en la “Royal Opera”, de Londres. Los años 70 y 80 marcaron su apogeo, actuando en los principales teatros europeos y americanos. En esta producción se puede escuchar la poderosa voz y sólida técnica, propia de los tenores dramáticos. (prudentemente canta “Di quella Pira” medio tono más bajo, pero con una interpretación vigorosa y un hermoso color vocal)…

Interpretando al “Conde de Luna”, la carismática Sherrill Milnes, excelente barítono estadounidense, nacida en Downers Grove, Illinois. Hijo de ganaderos lecheros, desde pequeño alternó el trabajo en la granja con sus estudios musicales. Posteriormente, entre la medicina y la música, eligió la carrera musical, con la esperanza de convertirse en profesor. Así, con unos comienzos modestos y pocas pretensiones, su voz robusta y su presencia escénica permitieron a Milnes brillar entre los grandes barítonos de su generación…

Milnes actuó en célebres teatros de ópera y sus cualidades actorales lo llevaron al cine, en “Tosca”, de Puccini… Junto a las potentes voces de Caballé, Arkhipova y Cossutta, además de los solos, forma parte de los bellos conjuntos, con perfecto equilibrio y eufonía – cualidades de esta producción excepcional…

En el papel de “Ferrando”, incisivo personaje del prólogo de “Il Trovatore”, el británico Richard van Allan. Polivalente voz de bajo, destacó en “ Covent Garden”, en la “English National Opera” y, posteriormente, tuvo una extensa carrera internacional. Con una elegante presencia escénica, sus interpretaciones conmovieron a la gente, tanto en el pesado repertorio de Verdi y Wagner, como en la ligereza de Gilbert y Sullivan. Los artículos de «The Times» lo elogiaron por «las virtudes de un gran artista: estilo y dramatismo, técnica y belleza vocal»…

Con una dirección exquisita, Anton Guadagno revela su capacidad para actuar en una variedad de sonidos, alternando entre solos, conjuntos, coros y orquesta. Pero, sobre todo, en formaciones pequeñas, entre trillizos y cuartetos, alcanza notables niveles de sutileza, explorando la versatilidad y el potencial de los solistas. Equilibrio, a veces comparable al de los madrigales renacentistas, a pesar de la robustez vocal de los solistas – al final del acto IV, Leonora y Manrico en triplete con Azucena, que balbucea “Ai nostri monti… ritorneremo!… l’antica pace… ivi ¡Godremo!… 

Así, parece que Guadagno coordina de una manera que estimula la libertad, pero siembra cohesión; donde obtiene mayor concentración y actuaciones exquisitas. Sobre todo, en cuanto a la calidad de una grabación “en vivo”, siempre sujeta a lo inesperado. De esta manera se perciben direcciones musicalmente sensibles y proactivas…

Nacido en Castellammare del Golfo, Italia, Anton Guadagno se graduó en el “Conservatorio Vincenzo Bellini” de Palermo. Y luego, en la “Accademia di Santa Cecilia”, en Roma. Siendo aún estudiante, fue asistente de Herbert von Karajan, en el “Mozarteum”, en Salzburgo, Austria…

Guadagno inició su carrera en la Ciudad de México; Posteriormente debutó en el “Carnegie Hall”, de Nueva York, en 1952, y llegó a ser subdirector de la “Metropolitan Opera”, entre 1958-59. Trabajó también en la “Philadelphia Lyric Opera Company” y, sobre todo, a partir de 1970, director residente del repertorio italiano, en la “Wiener Staatsoper”, durante 30 años. En 1984, paralelamente a sus actividades en Viena, regresó a Estados Unidos, como director de la “Palm Beach Opera”, permaneciendo hasta su muerte – Viena, 2002…

Finalmente, agradecemos y aplaudimos a los coros, conjuntos y orquesta de esta excelente producción. “Il trovatore” es un drama intenso, donde la música de Verdi continúa creando conciencia y manteniendo vivo el arte de la ópera. 

También sugerimos :

1. 1. CD de audio Myto – producido por la “Orquesta y Coro de la Ópera Metropolitana”, dirigida por Emil Cooper, con Stella Roman (Leonora) – Margaret Harshaw (Azucena) – Jussi Björling (Manrico) – Leonard Warren (Conde de Luna) – Giacomo Vaghi (Ferrando), Nueva York, Estados Unidos, 1947.
   1. DVD TDK – producción de vídeo de “Orchester und Chor der Wiener Staatoper”, dirigida por Herbert Von Karajan, con Raina Kabaivanska (Leonora) – Fiorenza Cossotto (Azucena) – Plácido Domingo (Manrico) – Piero Cappuccilli (Conde de Luna) – José van Presa (Ferrando), Viena, Austria, 1978.

Alex De Large

ANTONIO GARCÍA GUTIÉRREZ (Chiclana, 1813— Madrid, 1884), fue dramaturgo, zarzuelista, poeta y escritor romántico.

Vino al mundo en una época y en una zona en la que predominaban las ideas liberales que marcarían su vida y su obra. Como literato, se le nota tempranamente la influencia de la lectura de las obras de Larra.

De joven empezó colaborando en diversas publicaciones, y como gran conocedor del idioma francés tradujo obras de autores galos como Alejandro Dumas. También de muy joven le vino el éxito y la fama con el drama romántico El trovador, drama en prosa y verso en la que se ve la influencia de Larra, y cuyo estreno —cuentan las crónicas de la época— fue el más aplaudido y aclamado por el público que le hizo subir al escenario á saludar, iniciando esa costumbre que ha perdurado hasta ahora en los estrenos teatrales.

La repercusión de esta obra fue enorme fuera de España, especialmente en Italia, donde Giuseppe Verdi, que atravesaba por entonces una etapa de gran inspiración, da forma á su ópera Il Trovatore en 1853, con libreto de Salvatore Cammarano, creando para ella su aria Di quella pira, una de las partituras más logradas de su autor. También mereció otra adaptación operística otro de sus éxitos: Simón Bocanegra, que publicó en 1843.

De su Chiclana natal pasó á vivir á la capital, á donde iban á residir la mayoría de los autores de éxito. Tras residir varios años en América, tuvo varios trabajos diplomáticos en Londres, Francia e Italia, alternados con estancias en Madrid donde fue miembro de la Real Academia Española y director del Museo Arqueológico Nacional.

Antonio García Gutiérrez dejó traslucir su ideología liberal y sus inquietudes sociales en dramas históricos como La Venganza catalana, Juan Lorenzo, El tesorero del rey, El encubierto de Valencia o El rey monje; y en dramas sociales como Sendas opuestas, Los desposorios de Inés, Un grano de arena, Los millonarios y El caballero de industria. Escribió tambièn numerosas comedias como Crisálida y mariposa; y zarzuelas como El Grumete, La cacería real, y Llamada y tropa. Melodramas como Nobleza obliga. También fue autor de obras líricas como Poesías y Luz y tinieblas que no tuvieron tanto éxito como la versificación de sus dramas históricos, á excepción del poema ¡Abajo los Borbones! (1868), compuesto al triunfar la revolución de ese año y que se hizo muy popular.

Aunque no fue muy prolijo en la escritura en andaluz sí que hemos encotrado una de sus obras en andaluz: la parodia titulada Los hijos del tío Tronera.

Antonio García Gutiérrez escribe, á lo largo de su carrera literaria, más de sesenta piezas distintas, entre sus obras dramáticas y poéticas, aunque le bastó una sola obra: El Trovador, para mantener su nombre con letras de oro en la historia de la literatura española. Se trata de una obra de ruptura con el teatro anterior en la que se reconoce la esencia del drama romántico. Se representó por primera vez en el Teatro del Príncipe de Madrid la noche del 1 de mayo de 1836, y su éxito, el más aplaudido y aclamado en la historia del teatro español según algunos, supuso todo un triunfo para el drama romántico que, desde años atrás, venía abriéndose camino en los escenarios españoles. No cabe duda que el inmenso éxito que obtuvo El Trovador en su estreno fue en alguna medida la consecuencia de una favorable coyuntura social e histórica. Aparece en la escena española en el instante oportuno, preparado de antemano por otros escritores y otras obras. Pero el éxito no habría sido posible del todo sin que la obra fuese, de por sí, tan extraordinaria como la calificó la crítica, y muy especialmente el gran Mariano José de Larra. Al día siguiente del estreno de El Trovador no se hablaba en Madrid de otra cosa que del drama caballeresco. El éxito fue total, no solo en lo teatral, sino en lo literario; la primera edición impresa de la obra se agotó en dos semanas. Cuentan que la mismísima Reina Gobernadora, María Cristina de Borbón, asistió á una representación, tras la cual mandó llamar al autor á su palco. Expresándole su entusiasmo, le concedió que pidiese una merced. García Gutiérrez «…le pidió el canutillo», que así se llamaba entonces á la licencia del servicio militar, por el tubo donde se encerraba el documento. En pocos días el gobierno de Mendizábal concedió tal licencia y el escritor, abandonando el ejército, se entregó á la producción teatral. Con ello, aquel joven que llegó desde Chiclana hasta la Corte con la maleta cargada de sueños empezaba una nueva vida llena de éxitos. Es un drama en prosa y verso, algo deudor del Macías de Larra, y tiene por asunto la venganza de la gitana Azucena, que deja morir al trovador Manrique á manos del Conde de Luna. Salvo ella, todos ignoran que éstos son hermanos, ambos enfrentados políticamente y aspirantes á la mano de Leonor, quien ama verdaderamente á Manrique y termina envenenándose. La pieza, pues, como señala atinadamente Larra en su crítica de la misma, posee dos acciones estrechamente interconectadas, la derivada de la historia de amor y la relacionada con la venganza. Se halla ambientada en el Aragón del siglo XV y su acción se desarrolla fundamentalmente en el palacio de la Aljafería de Zaragoza. Su éxito motivó una refundición en verso (1851) de su propio autor. La repercusión de esta obra fue enorme fuera de España, especialmente en Italia, donde Giuseppe Verdi, que atravesaba por entonces una etapa de gran inspiración, da forma á su ópera Il Trovatore en 1853, con libreto de Salvatore Cammarano, creando para ella su aria Di quella pira, una de las partituras más logradas de su autor. La vigencia de El trovador en el mundo contemporáneo y la clave de su éxito en la ópera de Verdi se encuentran en los temas universales propuestos en el apasionado drama romántico y arreglados bajo una extraordinaria composición musical: el conflicto entre la superstición y la religión, los prejuicios y la intolerancia, la hipocresía y las apariencias, las guerras civiles y los problemas familiares, todos ellos válidos todavía á principios del siglo XXI