Alois Arnegger (March 9, 1879 – August 11, 1967) was an Austrian painter.
Arnegger was born in Vienna. He studied at the Academy of Fine Arts Vienna and was taught by Robert Russ and August Eisenmenger. Alois Arnegger became famous as a scene painter.
In the first years of his career, he painted scenes from his Austrian origin, but since the 1920s his focus was more on Italian coasts, such as Naples, Capri or Sanremo.
He died in Vienna in 1963. His son Gottfried Arnegger was also a painter.
Andreas Bick: Fire Pattern. Richard Wagner: «Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre.
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El fuego suena. El sonido de la lava fue capturado por Andreas Bick en su obra sonora Fire Pattern, mientras la metáfora del fuego amoroso aparece en “Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre de Wagner. Dos caras de una misma realidad se acompañan de un juego lumínico que ofrece una experiencia de escucha compartida, poco habitual en la sala de conciertos.
Pierre-Auguste Renoir, 25 de febrero de 1841 – 3 de diciembre de 1919) fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.1 2 3
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó, como Watteau.
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.
Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de remeros y Las grandes bañistas son sus obras más representativas. Vale la pena citar el siguiente pasaje de Proust:
«Hubo un tiempo en que se reconocían bien las cosas cuando era Fromentin el que las pintaba, y en que ya no se las reconocía cuando el pintor era Renoir. La gente dotada de gusto nos dice hoy que Renoir es un gran pintor del siglo XVIII. Pero al decir esto se olvidan del Tiempo y de que ha sido menester mucho, aun en pleno siglo XIX, para que Renoir fuese saludado como un gran artista. Para lograr ser así reconocido, el pintor original, el artista original proceden a la manera de los oculistas. El tratamiento por medio de su pintura, de su prosa, no siempre es agradable. Cuando ha acabado, el perito nos dice: Ahora, mire usted. Y he aquí que el mundo (que no ha sido creado una sola vez, sino con tanta frecuencia como ha surgido un artista original) se nos aparece enteramente diferente del antiguo, pero perfectamente claro. Pasan por la calle mujeres, diferentes de las de antaño, porque son Renoir, los Renoir en que nos negábamos ayer a ver mujeres. También los coches son Renoir, y el agua, y el cielo (…) Tal es el universo nuevo y perecedero que acaba de ser creado. Durará hasta la próxima catástrofe geológica que desencadenen un nuevo pintor o un nuevo escritor originales.»
Strozzi nació en Génova hacia 1581; no se sabe la fecha exacta. Seguramente no tenía parentesco con la familia aristocrática de los Strozzi.
En 1598, a los diecisiete años de edad, ingresó en un monasterio capuchino, una rama reformada de la orden franciscana. Cuando su padre murió hacia 1608, abandonó la orden para cuidar a su madre, ganándose la vida pintando cuadros que a menudo estaban influidos por las enseñanzas franciscanas, por ejemplo su Adoración de los pastores (h. 1615; Museo Walters de Baltimore).1
En 1625, se le acusó de practicar ilegalmente la pintura, lo que era un delito ya que para ser pintor se requería una formación como tal y asociarse al gremio local. Cuando su madre murió (h. 1630) Bernardo fue presionado por la orden de los capuchinos ante los tribunales para que regresara a la orden. Sufrió un breve tiempo de prisión en Génova,2 y al ser liberado huyó a Venecia para evitar que lo confinasen en un monasterio en 1631. Durante toda su vida llevó el mote de il prete Genovese (el sacerdote genovés).
San Cristóbal, de Strozzi.
Sus primeras pinturas, tales como el Éxtasis de san Francisco3 muestran las oscuras emociones de un Caravaggio. Pero en la segunda década del siglo XVII, mientras trabajaba en Venecia, Strozzi había sintetizado un estilo personal que fusionaba influencias pictóricas del Norte (incluyendo a Rubens y el Veronés) con una dureza realista monumental. Por ejemplo, en el cuadro La incredulidad de santo Tomás, el fondo está apagado, y aun así el rostro de Jesús, con halo y su perfil, brumoso, en un estilo atípico de Caravaggio.4 Nunca fue tan oscuro como los caravagistas, Venecia infundió en su pintura un acabado más suave, un estilo más aceptable para los mecenas locales, y uno derivado de sus precursores en Venecia, Jan Lys († 1629) y Domenico Fetti († 1626), quienes igualmente habían fundido la influencia de Caravaggio con el arte veneciano. Ejemplos de este estilo pueden encontrarse en su Parábola de los invitados a la boda (1630),5 Cristo entregando las llaves del Cielo a san Pedro (1630),6 San Lorenzo distribuyendo limosna en San Nicolò da Tolentino7 y una Personificación de la Fama (1635-6).8 Es muy probable también que resultara influido por Velázquez (quien visitó Génova en 1629-30).
Después de un encargo para pintar a Claudio Monteverdi su fama creció, y sus retratos incluyeron muchos de los más destacados venecianos. Sus alumnos y pintores fuertemente influidos por él incluyen Giovanni Andrea de Ferrari (1598-1669), Giovanni Bernardo Carbone, Valerio Castello y Giovanni Benedetto Castiglione.
José Jiménez Aranda, (Sevilla, 7 de febrero de 1837 – 6 de mayo de 1903) fue un pintor español. Hermano de los también pintores Luis Jiménez Aranda y Manuel Jiménez Aranda.
El café (1889).
El hato (1886).
Fue iniciado en sus primeros pasos en la pintura por Manuel Cabral y Eduardo Cano de la Peña.
Dotado para el dibujo, ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. En 1868 estudió en Madrid la obra reunida en el Museo del Prado, especialmente la de Goya y Velázquez. En 1867 viajó a Jerez de la Frontera para trabajar como restaurador y diseñador de vidrieras. En 1871 se trasladó a Roma, donde permanecería cuatro años, conociendo a Mariano Fortuny que influyó notablemente en su obra pictórica.
En 1881 se instaló en París, donde tuvo estudio durante nueve años, pintando obras ambientadas en el siglo XVIII, siguiendo el estilo de Fortuny con un notable éxito. En 1890 se trasladó a Madrid, pintando escenas de la vida cotidiana de corte más costumbrista.
La muerte de su mujer e hija en 1892 hace que se instale definitivamente en su ciudad natal donde es nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes, donde se convertirá en profesor de su escuela en 1897 empleó que conservó hasta su muerte. Daniel Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso, Ricardo López Cabrera, Manuel González Santos y Sanz Arizmendi fueron discípulos suyos de esta época en Sevilla.
En la última década del siglo XIX frecuentó el círculo paisajístico de Alcalá de Guadaíra, dejando en este campo algunos ejemplos de «gran maestro en pintura» (como le llamó Sorolla.
Entre sus obras más conocidas, están: «Una desgracia», «Un lance en la plaza de toros» y «Una esclava en venta».
Fue también un notable dibujante e ilustrador, destacando los 689 dibujos que realizó para la edición del centenario del «Quijote».
Benvenuto Tisi nace en Ferrara o (según se deduce de su apodo) en la localidad de Garofalo, actualmente perteneciente a Canaro en la provincia de Rovigo. Su fecha de nacimiento tampoco es segura; hacia 1491 era aprendiz (del poco conocido Domenico Panetti) y de ello se presupone que pudo nacer hacia 1481, ya que en aquella época los artistas iniciaban su formación a edad infantil. Otras fuentes adelantan su nacimiento en cinco años, a 1476.
Garofalo fue un artista muy viajero. En 1495 trabajaba en Cremona bajo dirección de Boccaccio Boccaccino, quien le familiarizó con el colorido de los pintores venecianos. En 1500 viajó a Roma por primera vez, si bien fue una estancia corta pues en 1501 se trasladó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en el taller de Lorenzo Costa el Viejo. En 1504 regresó a Ferrara, donde trabajó con Dosso y Battista Dossi. En 1506 se trasladó a Mantua, y posiblemente a Venecia dos años después.
Hacia 1512, Garofalo estaba nuevamente en Roma, invitado por Girolamo Sacrati, un miembro de la corte del papa Julio II. Así conoció Garofalo a Rafael Sanzio, una relación que explicaría su evolución hacia un clasicismo estilizado que recuerda a Giulio Romano. También esta estancia fue breve, porque hacia el mismo año ya debía de estar de vuelta en Ferrara, donde realizó numerosas obras para el duque Alfonso de Este y para las iglesias de la ciudad. Hacia 1529-30 se casó, con Caterina Scoperti.
Parece que hacia 1520 tuvo por discípulo a Girolamo da Carpi, quien colaboró con él en algunos proyectos en el decenio 1530-40. Garofalo perdió la vista del ojo derecho en 1531, aunque siguió pintando hasta que quedó completamente ciego en 1550. Murió nueve años después y fue sepultado en la basílica de Santa Maria in Vado de Ferrara, si bien sus restos se trasladaron en 1829 al cementerio de la Cartuja de Ferrara. En 1841 se le erigió un monumento en el Patio de Hombres Ilustres de la citada cartuja.
Garofalo fue un autor prolífico y famoso, y Giorgio Vasari incluyó su biografía en su famosas Vite de artistas.
«Tonadilla» y «Guajira» de Tres piezas españolas, de Emilio Pujol
Emilio Pujol, alumno de Tárrega y contemporáneo de Andrés Segovia, dio a conocer numerosas obras renacentistas para vihuela. Entre sus composiciones destacan esta “Tonadilla”, que evoca el majismo madrileño del siglo XVIII, y la “Guajira”, basada en este característico ritmo cubano y que incluye refinadas indagaciones tímbricas.